Clip Art wird seit Mitte des letzten Jahrhunderts in verschiedenen Formen verwendet. “Spot Illustrators” wurden in den 1930er, 1940er und 1950er Jahren sowie in den 1980er Jahren von Printpublikationen, Werbeagenturen usw. angeheuert, um schnelle Schwarzweißbilder zu Anzeigen, Artikeln, Foren, Kurzgeschichten und anderen literarischen Werken zu erstellen brauchte ein grafisches Element, um den Leser anzulocken.
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Das früheste und beliebteste Medium für die Erstellung von Cliparts war Feder und Tinte. Federzeichnungen oder “Strichzeichnungen” wurden, wie der Name schon sagt, mit einem Dip- oder Federstift und einem mit schwarzer Tinte gefüllten Tintenfass erstellt. Der Künstler, nennen wir ihn “Art Guy”, tauchte seinen Stift in das Tintenfass, tippte auf den Tintenüberschuss am Rand der Flasche und begann mit einer ruhigen Hand, seine Illustration zu zeichnen. Ein hochwertiges Papier mit einer glatten Oberfläche, das manchmal Pergament enthielt, war und ist die Wahl der meisten Künstler. Einige Künstler zogen es vor, ihre Motive zuerst mit einem Bleistift zu zeichnen, um eine “Vorlage” zu erstellen, auf die die Tinte aufgetragen werden kann.
Sobald die Illustration vollständig war, wurde sie alleine trocknen gelassen. Um die Tinte schneller zu trocknen, verwendeten einige Künstler “Pounce”, ein feines Pulver, das sparsam über die nasse Illustration gestreut wurde. Sprungpulver kann aus einer Vielzahl von Materialien hergestellt werden, darunter Sand, Speckstein, Talk und sogar fein gemahlenes Salz. Pounce wird auch von Kalligrafen verwendet.
Sobald die Illustration trocken war, wurde sie dem Bediener der Stat-Kamera übergeben und in einer Dunkelkammer fotografiert, um aus dem kamerabereiten Kunstwerk einen Film zu erstellen. Schattierte oder “Halbton” -Schwarz-Weiß-Bilder könnten aus der Vollschwarzkunst unter Verwendung verschiedener Punktmusterfilter erzeugt und dann auf Papier übertragen werden. Mit diesem Verfahren konnten endlose Kopien der Originalvorlage erstellt werden, ähnlich wie bei den elektronischen Kopiergeräten, die viele Jahrzehnte später erfunden wurden. Die Papierkopien wurden dann zugeschnitten und “zugeschnitten”, um den Veröffentlichungsprozess vorzubereiten, und dann ging “Art Guy” in den Produktionsraum, um sein cooles “Layout” -Ding zu machen!
“Layouts” wurden erstellt, indem Text und Bilder auf angenehme Weise kombiniert und die verschiedenen Objekte auf liniertes Papier geklebt wurden. Die Regeln halfen dem Produktionskünstler, die Bilder sowohl horizontal als auch vertikal auszurichten. Mit blauer Tinte gedruckt, konnten die Regeln nicht fotografiert werden, wodurch die Regeln in der endgültigen gedruckten Veröffentlichung unsichtbar wurden. Das Aufkleben des Textes und der Bilder auf das linierte Papier wurde unter Verwendung einer Vielzahl von Methoden erreicht. Haushaltskleber waren eine häufige Wahl, aber in den 1940er Jahren wurde Bienenwachs populär. Elektronische Wachsmaschinen wurden an eine Steckdose angeschlossen und aufwärmen gelassen. Bienenwachsblöcke wurden in einen Erwärmungstank innerhalb der Maschine eingeführt, und die Hitze des Tanks schmolz das Wachs zu Flüssigkeit. Ein Mechanismus oben auf der Maschine ermöglichte es dem Benutzer, die Büroklammer in ein Ende “trocken” zu führen und die Kunst dann vom anderen Ende “gewachst” abzurufen. Die Maschine hat nur eine Seite des Papiers gewachst, sodass der Benutzer das Bild mit einem Polierwerkzeug und einer Gummiwalze auf dem Layoutpapier fixieren kann. Text wurde nach dem gleichen Verfahren angewendet. Das fertige Layout wurde dann in die Dunkelkammer gebracht, wo es mit einer Kamera aufgenommen und ein Filmnegativ erstellt wurde. Ein kurzer Prozess später wurde das Filmnegativ zu einer Platte “positiv”, die für den Offsetdruck bereit war.
Im Zuge des Fortschritts der Publikationsbranche stellten Grafiker und Grafikdesigner fest, dass es einfacher war, die bereits vorhandenen Bilder, die sie bereits für die Veröffentlichung der Vorwoche aufgenommen und vorbereitet hatten, wiederzuverwenden. Anstatt immer wieder dieselben Illustrationen zu zeichnen, haben sie die alten Strichzeichnungen recycelt … und voila! Production Clip Art wurde geboren und leider war “Art Guy” arbeitslos!
Schnell wurden die Bibliotheken des Publikationshauses mit Tausenden und Abertausenden von abgeschnittenen Bildern überfüllt. In den nächsten Jahrzehnten überfüllten überall Bildbestände die Kunstabteilungen. Dann, zum Glück in den frühen 1980er Jahren, retteten PCs und das “digitale Zeitalter” die Branche. Mit einer futuristischen Erfindung, die als “Scanner” bezeichnet wird, könnte nun ein gedrucktes Clipbild auf einem Scanfach abgelegt und in digitale X- und O-Werte konvertiert und zur einfachen Bezugnahme auf der Festplatte eines Computers gespeichert werden! Für jemanden, der mit der Branche nicht vertraut ist, klingt dies nicht nach einem aufregenden historischen Fortschritt, sondern spricht persönlich sowohl von der Seite des Kameramanns der Dunkelkammer als auch als erfahrener Illustrator oder “Art Guy”, der sich in der Werbung die Zähne geschnitten hat In den frühen 80er Jahren waren Scanner ein Geschenk Gottes! Das Scannen von Bildern wurde in einigen Unternehmen zu einem Vollzeitjob, und pow! So wurde aus “Art Guy” “Scanner Man!”
Bald benutzten alle Cliparts und leider wurden Spot Illustrators und Freelance Artists (wie ich), die zuvor einen riesigen Nischenmarkt hatten, obsolet. Hunderte von Verlagen und digitalen Dienstleistungsunternehmen sprangen auf die digitalen (und gedruckten) Clip-Art-Bandwaggons. Mit etwas Glück fanden viele dieser arbeitslosen Spot-Illustratoren, auf die ich mich gerade bezog, eine neue Nische, vorausgesetzt, sie nahmen das neue Computermedium unter ihre Fittiche. Wenn Sie bereit waren, Stift und Tintenfass aufzugeben und gegen einen PC einzutauschen, hatten Sie gute Chancen, Ihren Lebensunterhalt zu retten. Ansonsten bist du den Weg der Dinosaurier gegangen.
Im Laufe der Jahre wurde der gesamte Prozess weniger “praktisch” und mehr produktionsorientiert. Lassen Sie mich erklären. Die erste Phase der Schaffung digitaler Kunst würde ungefähr so verlaufen. Ein Künstler würde ein Bild nur mit schwarzer Tinte zeichnen. Er (oder sie) nahm dann das Bild und legte es verdeckt auf einen Scanner. Mithilfe einer Scan-Software wählte der Künstler bestimmte Einstellungen wie Auflösung, Skalierung usw. aus und “scannte” dann das Bild, wodurch eine digital formatierte Datei erstellt wurde. Der Künstler kann auswählen, welches Dateiformat seinen Anforderungen für die Herstellung des Endprodukts am besten entspricht. Die gängigsten Dateiformate für Strichzeichnungen waren zu dieser Zeit.bmp (Bitmap) oder.pic (kurz für PICtor-Format). Als gescannte Fotos als ClipArt immer beliebter wurden, wurden Dateiformate wie Tiff (Tagged Image File Format) und JPG (oder JPEG) immer beliebter. Bald entstand das World Wide Web, wodurch ein großer Bedarf an Dateien mit kleinerer Auflösung entstand, die schneller heruntergeladen werden konnten, und daher wurden die Dateien gif (Graphics Interface Format) und jpg zur Norm für dieses Medium. Beide Dateiformate wurden als Rasterdateien bzw. als Dateien betrachtet, die auf einer Punktmatrix-Datenstruktur basieren. Die Auflösung konnte auf 72 dpi (Punkte pro Zoll) reduziert werden und erscheint dem Webbenutzer dennoch sauber und klar. Und ja, jetzt erhält “Scanner Man” eine neue Berufsbezeichnung und wird jetzt “Production Guy!”
Im Laufe der Jahre wurden Vektordateien (oder Dateien, die auf mathematischen Ausdrücken basieren), von denen das beliebte Dateiformat.eps (kurz für Encapsulated PostScript) das am häufigsten verwendete Format von Druckern und Publikationshäusern wurde, da es sich um.eps-Dateien handeln könnte vergrößert oder verkleinert, ohne die Auflösung oder die “Schärfe” des Bildes zu verlieren. Die gesamte Branche bog nach links ab. Bis heute sind .eps-Dateien das branchenübliche ClipArt-Format.
Lassen Sie uns für einen Moment diskutieren, wie eine.eps-Datei erstellt wird. Ähnlich wie beim Erstellen einer a.jpg- oder.tiff-Datei, wie zuvor beschrieben, wird die Strichgrafik “Hardcopy” mit einer Scansoftware gescannt. Statt jedoch eine Datei mit einer “mittleren” Auflösung von möglicherweise 150 dpi zu erstellen, wählt der Künstler die optimale Auflösung möglich. Der Trick besteht darin, eine hochauflösende Rasterdatei zu erstellen, die nicht den gesamten verbleibenden Speicherplatz auf Ihrer Festplatte einnimmt! Je größer die Datei, desto mehr Dateninformationen, desto besser die Qualität. Hier ist, warum mehr Informationen der Schlüssel sind. Sobald die Rasterdatei erstellt wurde, importiert der Künstler diese mit Punkten erstellte Rasterdatei (Punktmatrix) und importiert sie in ein Konvertierungsprogramm für Vektordateien, das diese Datei in saubere, gestochen scharfe Vektoren umwandelt. Bam! Ein weiterer “nicht so kreativer” Job für “Production Guy!” Bald in den größeren Werbeagenturen und Publikationshäusern verbrachten Künstler, die einst mit dem Zeichnen von Originalbildern beauftragt waren, den größten Teil ihres Tages damit, gedruckte, gedruckte ClipArt-Kataloge in digitale Vektordateien für Computerfreaks in der Kunstabteilung umzuwandeln! Zu Beginn kann der Prozess zum Konvertieren einiger gescannter Bilder in Vektoren bis zu mehreren Stunden dauern. In den meisten Grafiksoftwareprogrammen nach Industriestandard sind Vektorkonvertierungswerkzeuge “integriert”, und der gesamte Prozess kann in Minuten oder sogar Sekunden ausgeführt werden. Soviel zum Job von “Production Guy”. Mit dem Aufkommen der neuen Grafikdesign-Software wurde auch seine Position überholt.
Aber fühlen Sie sich nicht schlecht für “Production Guy”. In den letzten Jahren haben es die Kreativen satt, zu sehen, dass sich “der gleiche alte, der gleiche alte” und der “Production Guy” den Kreis geschlossen haben. Nachdem der alte “Art Guy” (ich) und andere freiberufliche Künstler alle Rollen gespielt haben, die wir zuvor besprochen haben, erleben sie eine Renaissance der Art und größere Unternehmen, die nach angesagten und trendigen, topaktuellen Spot-Illustrationen suchen, bringen uns wieder an die Arbeit! Aber keine Sorge, die alten “bewährten” ClipArt-Bilder haben ihren Platz auf dem “lizenzfreien” ClipArt-Markt gesichert. Lassen Sie uns als nächstes den Begriff “lizenzfrei” diskutieren.
Als Stock-Clip-Art-Unternehmen und Schriftenhäuser wuchsen und wuchsen, stellten sie fest, dass sich einige Bilder und Schriften durchweg besser verkauften als andere. Natürlich ist der erste Gedanke, der einem echten Geschäftsmann oder Unternehmer einfällt: “Wie verdiene ich Geld mit diesen” Premium “-Bildern?” Die Antwort ist natürlich, dass Sie für Bilder, die sich besser verkaufen als andere, einen “Premium” -Preis verlangen. Der Rest der “Stock Clip Art” -Bilder wurde zu Trittbrettern, um die Premium-Galeriedateien zu verkaufen. Prämien wurden für Clip-Art-Bilder vergeben, die detaillierter waren, aus einem interessanteren Thema bestanden oder einfach einzigartiger waren und sich vom Rest des Pakets abhoben. Große Hintergrund-, Rahmen- oder Randdateien mit mehr Details waren teurer als die kleineren Spot-Abbildungen. Feiertagsspezifische Stock-Illustrationen mit Themen wie Weihnachten, Halloween, Thanksgiving und Ostern sowie Illustrationen, die eine höhere Nachfrage oder ein höheres Interesse hervorrufen, wurden über den üblichen Alltagsbildern bewertet. Kurz gesagt, Aktienillustrationsunternehmen haben ihre eigene “Marktnachfrage” nach buchstäblich jedem Bild oder Bildsatz geschaffen, den sie ausgewählt haben. Eine Zeit lang hat dieses “Schema” funktioniert, und bis heute auf einer kleineren Ebene funktioniert es immer noch. Wer Geld hat, kann es sich immer leisten, eine Prämie zu zahlen. Aber was ist mit dem “kleinen Kerl”, der sich die Prämien nicht leisten konnte? Der Geruch von “Revolution” lag in der Luft!
Mit dem Zusammenbruch der US-Wirtschaft kurz nach dem 11. September erlebten große ClipArt-Häuser, die sich auf die teuren Prämien stützten, die jahrelang ihren treuen Kundenstamm ausgenutzt hatten, einen Schlag auf dem Markt und infolgedessen kleinere ClipArt-Häuser Unternehmen begannen zu sprießen. Old Spot Illustratoren wie ich, die ihre Galerien in Galerien mit staubigen alten ClipArt-Bildern gespeichert hatten, kamen auf die Idee, den größeren ClipArt-Unternehmen Konkurrenz zu machen, indem sie “lizenzfreie” Bilder oder Bilder ohne PREMIEN anbieten! Erraten Sie, was? Es funktionierte! Lizenzfreie Bilder und Sammlungen wurden (wieder) zur Norm. Art Directors und Grafikdesigner, die sich einst vor den riesigen Stock-Clip-Art-Agenturen verbeugten, wachten auf und rochen den Kaffee zum Brauen! Es war Zeit für eine Veränderung in der Branche und die Veränderung war gekommen. Sie waren nicht länger daran gebunden, dieselben “Kesselplatten” -Bilder zu verwenden, die vielleicht fünf oder sechs riesige Aktienkunstfirmen anboten. Die Welt der ClipArts öffnete sich den Künstlerrebellen mit ihren kleineren und unendlich einzigartigeren ClipArt-Kreationen und die Revolution war endlich gekommen!
Jetzt ist “Art Guy” wieder im Geschäft und macht das, was er am meisten liebt … ZEICHNUNG! Vielleicht hat er seinen Schreibstift und sein Tintenfass gegen einen PC und eine Maus oder ein Grafiktablett eingetauscht, aber er ist wieder glücklich und zufrieden … und SO BIN ICH !!!
